Pintura e biografia de Masaccio. “Madonna and Child”, Masaccio - descrição da pintura Pinturas famosas de Masaccio

Masaccio (na verdade Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (Guidi), Tommaso di ser Giovanni di Guidi; 21 de dezembro de 1401, San Giovanni Valdarno, Toscana - outono de 1428, Roma) - famoso pintor italiano, o maior mestre da escola florentina, reformador da pintura da época Quattrocento.

Biografia de Masaccio

Sua vida foi muito curta, mas a marca deixada pelo artista na arte dificilmente pode ser superestimada. Ele nasceu na pequena cidade de San Giovanni Valdarno e morreu em Roma aos vinte e oito anos. A primeira menção de Masaccio como artista remonta a 1418, quando o jovem artista chegou a Florença.

Aparentemente, lá ele estudou em uma das oficinas de pintura mais famosas da época com Bicci di Lorenzo.

Em 1422, Masaccio ingressou na guilda de médicos e farmacêuticos e, em 1424, em sinal de reconhecimento ao seu mestre maduro, Masaccio foi admitido na associação de artistas, a Irmandade de São Lucas.

Criatividade de Masaccio

Durante sua curta vida, Masaccio conseguiu completar as transformações revolucionárias na pintura iniciadas por Giotto. Tal como Giotto, os frescos constituem a base do seu património artístico. Ainda mais preciosas são as poucas obras de cavalete de Masaccio que o tempo nos trouxe.

A galeria londrina possui a parte central do políptico Madona e o Menino com Quatro Anjos, encomendado por Masaccio em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine, em Pisa.

A galeria também abriga uma das últimas obras do artista - o painel lateral de um tríptico representando os Santos Jerônimo e João Batista. Foi escrito pouco antes da morte de Masaccio em Roma em 1428.

As obras de Masaccio são alheias ao estilo decorativo tão comum na pintura do início do século XV. Neles, como nas obras de seu antecessor Giotto, tudo está subordinado à construção perspectiva do espaço e ao uso do claro-escuro.

Após a morte precoce do pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a Igreja de Santa Maria Maggiore em Roma, foi concluída por Masolino.

Não é exagero dizer que as obras de Masaccio são verdadeiras pérolas do acervo da Galeria Nacional de Londres.

Obras do artista

• Madonna e Criança entronizadas com quatro anjos. 1426
• Crucificação. 1426
• Madonna e Criança e Santa Ana. 1424
• Batismo de novos convertidos. 1425-1428
• Expulsão do paraíso. 1425-1428
• Ressurreição do filho Teófilo e São Pedro no púlpito. 1425-1428
• Milagre com Statir. 1425-1428
• São Pedro curando os aleijados com sua sombra. 1425-1428
• Distribuição de bens e morte de Ananias 1425-1428
• Trindade. 1427-1428
• Adoração dos Magos. 1426
• Crucificação de São Pedro. A decapitação de João Batista. 1426

Bibliografia

• Romanov N. I. Masaccio // Notas científicas da Universidade de Moscou. Vol. 126. M., 1947.
• Znamerovskaya T. P. Problemas do Quattrocento e a obra de Masaccio / Ordem de Leninegrado de Lenin e Ordem da Bandeira Vermelha do Trabalho Universidade Estadual em homenagem a A. A. Zhdanov. - L.: Editora da Universidade Estadual de Leningrado, 1975. - 176, p. - 8.750 exemplares. (região)
• Lazarev V. N. Masaccio // O início do Renascimento na arte italiana. M. 1979.
• Dzeri F. Masaccio. Trindade. M. 2002.

MasaccioPintor italiano da escola florentina. Juntamente com o arquiteto Brunelleschi e os escultores Donatello e Ghiberticonsiderado um dos fundadores do Renascimento .

Autorretrato de Masaccio (segundo G. Vasari)

Com a sua obra, contribuiu para a transição do gótico para a nova arte, glorificando a grandeza do homem e do seu mundo. A importância da pintura de Masaccio foi reavaliada em 1988, quandosua principal criação - - foram restaurados à sua forma original.

Masaccio nasceu na cidade provincial toscana de Castel San Giovanni em 21 de dezembro de 1401. Seu nome completo é Tommaso de Giovanni de Simone Kassai ). Quase nada se sabe sobre a infância e juventude do artista. Em 1422, Masaccio ingressou na guilda florentina de médicos e farmacêuticos (que também incluía artistas), mas não se sabe com quem estudou e quando chegou a Florença.

Para o período inicial de seu trabalho incluem uma variedade de obras, incluindoretábulo "Madona e o Menino e os Santos" da pequena igreja de San Giovenale em Cascia di Reggello. Provavelmente, em 1422-1424 Masaccio e seu conterrâneo Masolino da Panicale trabalharam juntos em outra composição retábulo -"Madonna e Criança e Primeiro . Anne" (Florença, Galeria Uffizi).

A ruptura do artista com a tradição artística anterior manifestou-se plenamente ao trabalhar emafresco "Trindade" (Florença, Igreja de Santa Maria Novella), aparentemente criada ca. 1427. O tema da composição é tradicional: representa Deus Pai, o Cristo crucificado e o Espírito Santo em forma de pomba. No entanto, a interpretação que Masaccio faz deste tema é incomum. Em vez de uma imagem apresentada sobre fundo dourado, que realça o aspecto intemporal, colocou a imagem da Trindade numa pequena capela abobadada; neste caso, o olhar do observador é voltado de baixo para cima. A imagem ilusionista da arquitetura aqui criada tornou-se o primeiro exemplo da aplicação bem-sucedida e consistente do recentemente descoberto o princípio da perspectiva linear com um único ponto de fuga. Este afresco foi interpretado pelos pesquisadores de diversas maneiras, mas seu tema principal é a vitória da fé sobre a morte. Na parte inferior da composição há um esqueleto sobre um sarcófago sob a inscrição: “Eu já fui o que você é, e o que eu sou você ainda se tornará”. Isto é um lembrete da fragilidade da vida, mas na mente do crente deveria estar lado a lado com o pensamento de que Cristo também morreu, dando a salvação ao homem.

Em 1426 Masaccio criou políptico para a igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa. Sua parte central"Madonna e Criança e Anjos" está na National Gallery de Londres.

Políptico de Santa Maria del Carmine em Pisa, Maria com o Menino e Ana

Parte central. Maria com o bebê.

Muitas partes deste altar foram perdidas, mas as que sobreviveram mostram com suficiente clareza que o artista estava ocupado com os problemas de aplicação das leis da perspectiva, conseguindo a unidade da composição com a ajuda da luz e da imagem da figura humana.

O trabalho mais significativo de Masaccio em termos de escala é afrescos da Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença , criado por ele junto com Masolino.

Milagre com Statir. Afresco da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença. 1427

Provavelmente, os afrescos foram encomendados por Masolino em 1423, e ele conseguiu pintar as abóbadas (essas pinturas não sobreviveram); em meados da década de 1420, Masolino partiu para a Hungria e retomou os trabalhos na capela apenas em 1427, já junto com Masaccio. No entanto, a pintura permaneceu inacabada, pois no ano seguinte Masolino e depois Masaccio partiram para Roma. Somente por volta de 1484 Filippino Lippi completou a decoração com afrescos de toda a capela. Masaccio é creditado com a composição“Expulsão do Paraíso”, “Milagre com o Statir”, “Batismo dos neófitos por Pedro”, “Apóstolo Pedro curando os enfermos com sua sombra”, “Apóstolo Pedro distribuindo os bens da comunidade entre os pobres”, “Ressurreição dos filho do rei de Antioquia” e fragmentos dos afrescos “Cura dos aleijados” e “A Ressurreição de Teófilo”.As pinturas da Capela Brancacci retratam a história da Queda e episódios da vida de São Pedro. Pedro, principalmente as curas milagrosas e as obras de misericórdia que realizou. Os personagens dos afrescos de Masaccio são dotados de um espírito heróico, em contraste com as imagens frágeis e graciosas características da pintura gótica tardia. O enredo de uma das composições mais famosas - “O Milagre de Statir” - é retirado do Evangelho de Mateus (17:24-27). As majestosas figuras de Cristo e dos apóstolos são representadas no contexto de uma paisagem montanhosa agreste. Seus movimentos são naturais e seus corpos têm proporções reais.

Fragmento dos Apóstolos

Cenas da vida de Pedro. Ressurreição do filho de Teófilo, Príncipe de Antiquioque

Fragmento de Cristo Fragmento Fragmento Pedro e Cristo

Masaccio adquiriu conhecimentos da anatomia do corpo humano trabalhando com a natureza e estudando obras de escultura clássica; É especialmente importante que, tal como Donatello uma década antes, ele tenha abandonado na sua obra a decoratividade e a convenção inerentes à arte gótica. Masaccio coloca as solenes figuras maciças dos personagens em um ambiente real. A luz vem do canto superior direito. O artista levou em consideração que a verdadeira fonte de luz está localizada justamente no lado direito da capela (janela na parede). Figuras cuja tridimensionalidade é transmitida através modelagem de corte poderosa, correlacionado em escala com a paisagem envolvente, pintado tendo em conta a perspectiva luz-ar. Conceito do artista expressa a declaração de um de seus contemporâneos: um afresco ou pintura é uma janela através da qual vemos o mundo . Esta afirmação e a sua implementação prática continuaram a ser o principal objetivo da pintura da Europa Ocidental durante mais de quatro séculos.

Masaccio morreu em Roma em 1428.

Fontes de publicação

7. Do céu à terra: Masaccio e Masolino

Capital do Renascimento

Século XV, Quattrocento, 400s. Esse período, na verdade, costuma ser chamado de Renascimento. Tudo o que aconteceu antes foi, por assim dizer, um pré-Renascimento. Falámos sobre a origem deste termo e, claro, pode ser controverso, mas é claro que tudo o que foi feito antes dos anos 400 foi na verdade a acumulação de alguns novos elementos separados que dispararam e simplesmente explodiram e deram o que - um novo efeito durante o período Quattrocento, no século XV.

Neste momento, Florença tornou-se o centro de uma nova cultura. Já havia competido com outras cidades: Siena, Pisa, Milão, Nápoles, Pádua, Assis, Lucca. Em todas estas cidades ocorreram processos muito interessantes de procura do novo, mas foi Florença que estava destinada a ser a capital do Renascimento. Foi a capital da Toscana, agora está se tornando a capital do Renascimento. Está em primeiro lugar entre as cidades italianas. Houve várias razões para isso.

Florença surgiu em 59 AC. e. como um assentamento de veteranos romanos, chamado Florentia, ou seja, “florescendo”. No século IV já d.C. e. a cidade era a residência de um bispo, ou seja, uma cidade bastante grande na Itália. Depois vieram os ostrogodos, depois os bizantinos, os lombardos e os francos. Devido às guerras e à devastação, a população foi bastante reduzida, mas no século X a cidade voltou a encher-se de gente, crescendo novamente, e em 1116 Florença tornou-se uma comuna independente. Subjuga a maior parte do norte da Itália, do norte e do centro da Toscana e gradualmente acumula várias forças ao seu redor.

Além disso, no século XIII a cidade foi arrastada para a famosa luta, falamos sobre isso, entre os Guelfos e os Gibelinos, e isso, claro, também enfraqueceu muito a cidade, mas mesmo assim manteve a sua primazia e até começou a cunhar a sua própria moeda de ouro, o florim, que se tornou uma das moedas mais estáveis ​​da Europa. No século XIV, há uma recuperação econômica devido a Florença se tornar um centro de produção de tecidos de lã inglesa e um centro de usura, que hoje é mais nobremente chamada de bancária, porque na Idade Média a usura era considerada um pecado, mas agora se torna uma virtude. Esta mudança de paradigma está a produzir um efeito muito interessante, porque são as pessoas que acumularam, emprestaram e cultivaram dinheiro que estão agora a tornar-se os governantes dos pensamentos. Alguns deles são, digamos, os Medici. Falaremos muito mais deles, porque são os Médici de Florença que recebem a palma.

E o primeiro deles, Cosimo Medici, Cosimo, o Velho, aqui o vemos, um retrato que foi pintado muito mais tarde por Jacopo Pontormo. É, claro, a figura que dá uma guinada tão especial. E antes disso, claro, havia mecenas das artes, mecenas, clientes, mas os Medici tornaram-se uma espécie de comerciantes culturais. Eles dirigiram a arte. Eles só deram dinheiro. Também perguntaram sobre o lado ideológico, mas falaremos disso mais tarde. Esta é uma família muito importante. Mas é interessante que a figura de que falaremos hoje, o artista Masaccio, ele e Masolino (falaremos principalmente de duas figuras hoje), trabalharam justamente para os concorrentes dos Medici. E esta luta competitiva entre diferentes clãs influenciou enormemente a arte.

Primeiras obras de Masaccio

Então, o herói da nossa história de hoje é Tommaso Masaccio. É simbólico que tenha nascido em 1401, ou seja, no primeiro ano do novo século, precisamente na época do Quattrocento, do Renascimento, e seja legitimamente considerado a primeira figura do Quattrocento. Vasari, o biógrafo de todos os artistas do Renascimento, chama-o assim, e veremos por nós mesmos que mesmo no contexto de muitos artistas que trabalharam nesta época, Masaccio se destaca muito.

Seu trabalho começa no século XV. Masaccio é um apelido. Eles traduzem de forma diferente. Alguns traduzem como “desajeitado”, “desleixado”, “muff”. Diz a lenda que ele era tão apaixonado pela arte que andava o tempo todo coberto de tinta. E isso, aparentemente, deu-lhe o apelido. Seu nome verdadeiro é Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, ou Tommaso Di ser Giovanni di Guidi.

Nasceu em San Giovanni Valdarno, perto de Arezzo, em 1401, no dia de São Tomás, por isso recebeu o nome deste santo Tommaso. Tommaso, isto é, em italiano é Thomas. Quando ele tinha cinco anos, ele perdeu o pai. A mãe casou-se novamente com o farmacêutico, mas ele já era idoso e morreu novamente. Em geral, uma infância difícil. E aos 16 anos ele se torna o único ganha-pão de sua família. Este amadurecimento precoce aparentemente moldou muito a personalidade de Tommaso Masaccio.

Por volta dos 16 anos, em 1418, talvez já tivesse 17 anos, Masaccio e sua família mudaram-se para Florença. Foram preservados documentos segundo os quais a mãe de Masaccio, desde que ele ainda era menor, tudo estava registrado em seu nome, ela aluga uma casa no bairro de San Niccolo, em Florença. Provavelmente, a oficina em que o artista trabalhou posteriormente também se localizava algures nesta zona.

Vasari chama Masaccio Masolino da Panicale e Mariotto di Cristofano de seus professores, mas agora essa opinião é considerada errônea, pois, a julgar pelos documentos, Masaccio recebeu o título de mestre de pintura um ano antes de Masolino, ou seja, é improvável que ele era um estudante. Muito provavelmente eles trabalharam juntos. Em alguns monumentos veremos isso, seus modos são muito próximos e eles influenciaram muito uns aos outros.

Mas apesar de Masolino ser muito mais velho que Masaccio, muito provavelmente Masaccio era o líder desta dupla. Aqui vemos seu autorretrato na Capela Brancacci, do qual falaremos mais tarde. Em 1422, Masaccio ingressou na guilda de médicos e farmacêuticos e, em 1424, em sinal de reconhecimento como mestre maduro, foi aceito na associação de artistas da Irmandade de São Lucas. Ou seja, ele tinha apenas 23 anos quando foi reconhecido como um mestre muito maduro. E veremos que o verdadeiramente precoce Masaccio faz coisas incríveis. Na verdade, ele conseguiu viver poucos anos. Ele viveu apenas 27 anos. Aliás, o pai dele viveu o mesmo tempo. Aparentemente foi algum tipo de coisa hereditária, embora quando ele morreu corressem boatos de que foi envenenado por concorrentes, mas quem sabe.

Os pesquisadores hoje concordam que, muito provavelmente, Masaccio estudou com o então famoso mestre florentino Bicci di Lorenzo. Vasari também fala muito bem dele. Bicci di Lorenzo pertencia à famosa família de artistas florentinos da época, talvez menos famosa hoje, uma grande oficina da qual surgiram pelo menos três pintores: Lorenzo di Bicci, Bicci di Lorenzo, este é seu professor e filho Lorenzo di Bicci, e Neri di Bicci, filho do segundo, ou seja, três gerações de pintores vieram da mesma família. Esta era uma família famosa. Aqui podemos ver um pequeno tríptico, um pequeno altar. Ele é bastante tradicional para a época e é, em geral, semelhante a muitos artistas que trabalharam nessa época.

Mas aqui veremos uma das primeiras obras do próprio Masaccio, o tríptico Giovenale. Esta é considerada a primeira obra autêntica de Masaccio. Foi descoberto bastante tarde, em 1961, ou seja, no século XX, pelo cientista italiano Luciano Berti, na igrejinha de São Juvenal, não muito longe da cidade onde Masaccio nasceu. No centro do altar está uma Madona com o Menino e dois anjos.

Os anjos, como vemos, estão de costas para nós, o que, por assim dizer, praticamente não era feito pelos artistas antes. Até Giotto desdobra os anjos, como no anterior, vimos também um tríptico, no máximo de perfil ou três quartos, mas aqui Masaccio tenta mostrar o espaço tridimensional, não ainda pela perspectiva, não pelo espaço, mas pelo voltas dos personagens. Mas já falamos sobre esse problema tanto com Giotto quanto com outros, que não está claro onde colocar a auréola. E esse problema não resolvido também existe aqui, quando os anjos estão literalmente presos em seus halos como em discos.

Então isso será resolvido de uma forma completamente diferente pelos artistas posteriores, quando o halo já aparece, como uma espécie de nuvem ou como uma espécie de círculo, já três quartos desdobrado, acima de suas cabeças. Enquanto isso, esse estilo bizantino de tal círculo de ouro e brilho acima de suas cabeças ainda é um problema insolúvel para os artistas. Mas em comparação com outros artistas, já podemos perceber que aqui, por um lado, há alguma simplificação destas decorações góticas e conferindo mais naturalidade às figuras. Este é um trabalho inicial, por isso aqui ele ainda fala metade na sua própria língua, metade na linguagem tradicional da época anterior.

Uma das obras mais famosas e frequentemente reproduzidas relacionadas com Masaccio é a Madona e o Menino com Santa Ana. Mas é precisamente esta obra que se acredita ter sido realizada por dois artistas, Masaccio e Masolino. Como já mencionei Masolino di Panicale, contarei mais sobre ele mais tarde. Vasari o chama de professor, mas na verdade eles apenas trabalharam juntos.

E esta obra, este grande retábulo, pintaram juntos em 1422 para a igreja de San Ambrogio. Tal poder de forma, tal solução generalizada, provavelmente vem de Masaccio. Os pesquisadores dizem de maneiras diferentes quem escreveu o quê aqui. É possível que Masolino tenha pintado a figura de Santa Ana, enquanto Masaccio pintou a Virgem e o Menino Jesus. Talvez. Não importa como esse trabalho foi distribuído, mas o importante é que ele já é diferente em relação ao período anterior.

O que há de diferente aqui? A outra aqui é esta, por um lado, forma monumental. Por outro lado, até o próprio cenário da trama é tal que aqui se enfatiza a família humana do Salvador: Santa Ana em pé atrás da figura da Mãe de Deus, Maria sentada no trono, e ela segura em suas mãos um bebê tão rechonchudo, já muito próximo da imagem real de uma criança, na qual há mais humano do que divino. Afinal, italianos antigos, e até bizantinos, não estou falando disso, os bebês são sempre adultos quase reduzidos, muitas vezes pelo menos.

O movimento do incensário de um dos anjos enfatiza que existem alguns momentos espaciais aqui, mas ainda não há conquista de espaço aqui. Veremos ele mais tarde. Portanto, este é um trabalho marcante, mas muito importante, importante porque realmente dá início a uma abordagem completamente nova da arte.

Pinturas da Capela Brancacci

A coisa mais significativa que tornou Masaccio muito famoso e o elevou às alturas de uma mestria verdadeiramente genuína foi a pintura da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, ou melhor, a capela desta igreja, que se chamava Capela Brancacci. Em 1367, o influente e rico florentino Pietro di Puvicese Brancacci ordenou a construção de uma capela familiar na igreja de Santa Maria del Carmine, ou seja, muito antes da vida de Masaccio.

No entanto, a capela tornou-se mais do que apenas uma capela familiar. Tornou-se um objeto importante na vida cultural, social e religiosa de Florença porque nele foi colocado um ícone milagroso, ou seja, um ícone que foi reverenciado como milagroso, que foi chamado de “Madonna del Popolo”. Foi escrito no século XIII. As pessoas sempre vinham a este ícone, então era mais do que apenas uma capela familiar.

E o descendente desse Pietro Brancacci, Felice Brancacci, que no final do século XIV ficou incrivelmente rico, era um dos rivais de Cosimo Medici, o Velho, era um comerciante de seda, um senador influente, em geral, um homem que fazia parte da administração da República de Florença, encomenda apenas as pinturas para esta capela. Primeiro, em 1424, ele convida Masolino, Masolino da Panicale, e Masolino já convida Masaccio para ajudar. E depois da saída, alguma saída urgente do Masolino, o Masaccio trabalha aqui sozinho, ou seja, o Masolino faz várias composições, e a maior parte dessa capela é pintada pelo Masaccio.

E esta capela torna-se uma declaração de nova arte. Qual é o objetivo aqui? Na verdade, os investigadores já dizem hoje que nem Masolino nem outros artistas influenciaram tanto Masaccio como a sua convivência com Brunelleschi e outros mestres, nomeadamente arquitectos e escultores que estavam a desenvolver a perspectiva naquela época, e ele também se interessou pela perspectiva. De repente, ele começou a ampliar o espaço em suas obras, mas com muito mais intensidade do que Giotto. Giotto ainda se limitava a tal caixa, a uma certa perspectiva teatral, e Masaccio começou a cortar arcos assim, por exemplo, nessas caixas. E, de fato, aqui vemos as novidades que Masaccio trouxe para a arte. Em muitos aspectos, ele foi realmente o primeiro, porque não fez apenas perspectiva, mas construiu a sua composição de acordo com as leis da perspectiva.

Muitas vezes nem são as cenas com Pedro que se reproduzem desta capela, embora vejamos uma, também talvez a mais famosa, mas a “Expulsão do Paraíso” é muitas vezes reproduzida, porque é aqui que vemos, em primeiro lugar, escrito de uma nova maneira, figuras nuas. Você não pode dizer que não havia nus antes. Eles eram, mas foram escritos de forma completamente diferente. Foram escritos, para não dizer desencarnados, mas castamente e um tanto desapegados do próprio corpo.

Aqui este corpo é absolutamente sentido. Os movimentos dos expulsos Adão e Eva saindo do paraíso são naturais. Giotto também dirá que os santos de Masaccio finalmente estão de pé na terra. Se em outros eles quase pairavam acima do solo ou mal o tocavam, então aqui eles simplesmente pisavam pesadamente, por assim dizer, neste terreno. Vemos isto precisamente nesta “Expulsão do Paraíso”. E, claro, vemos uma reação psicológica tão genuína: choro, horror, desespero de Adão e Eva, que são expulsos. Eles não desaparecem tão serenos como antes em afrescos ou ícones. Eles realmente se importam.

Alguns fatos interessantes sobre a atitude em relação ao corpo. Não muito antes disso, já no século XIV, em 1316, foram ministradas na Universidade de Bolonha palestras sobre anatomia humana, as primeiras, poder-se-ia dizer, sobre este tema na Europa medieval. Ou seja, já no século XIV a anatomia ficou semiproibida, porque as pessoas ainda estudavam anatomia, e a anatomia era importante para os médicos, principalmente para os médicos, mas ainda era considerada um tema semiproibido, e de repente surgiram palestras abertas logo na universidade. Afinal, os cientistas consideram isso um marco.

Pouco antes disso, foi emitido um decreto para suspender a proibição da autópsia de cadáveres humanos. Este decreto veio de Frederico II, Sacro Imperador Romano, Rei da Sicília. Conversamos um pouco sobre ele, que era um grande patrono das ciências e das artes. E então ele teve a coragem, como governante secular influente, de emitir tal decreto. Claro que não veio da igreja, a igreja ainda não olhava muito bem para a dissecação de cadáveres, mas mesmo assim foi muito importante.

Foram coisas assim que promoveram uma nova atitude em relação ao corpo. Ele, o próprio corpo, não era mais percebido como pecaminoso, mas como um verdadeiro corpo humano com todas, por assim dizer, as consequências que se seguiram.

Mas a composição mais interessante do ponto de vista perspectiva é “O Milagre com o Statir”. Como eu disse, as principais histórias aqui são dedicadas à vida do Apóstolo Pedro. E este milagre com o statir, quando, como lembramos, Pedro se volta para Jesus, que, dizem, nos exigem tributo, e Cristo diz que vai pescar um peixe e lá você encontrará uma moeda, um statir, e você pagará por mim e por mim mesmo. Um stater representa exatamente dois valores desse imposto. E assim, numa paisagem que mais parece uma paisagem, e não colinas de ícones convencionais, e novamente um fragmento de um edifício que mais parece um verdadeiro palácio italiano, com uma galeria tão pequena, com um pórtico, e há um grupo de apóstolos, um grupo de discípulos ou de pessoas que escutam este diálogo entre Cristo e Pedro. E a disposição das figuras no espaço em Masaccio é muito mais livre do que em todos os artistas anteriores.

Podemos até olhar para tal diagrama, onde podemos ver como ele constrói a composição, como todas as linhas de perspectiva, poder e geometria convergem na figura central, convergem no rosto de Cristo. Em primeiro lugar, ele coloca assim o centro absoluto da imagem, Cristo, ou seja, este é o centro semântico e o centro composicional, e todas as linhas convergem para ele. É claro que não vemos estas linhas desenhadas, mas o facto de serem claramente construídas geometricamente é a primeira vez que isto é feito. Antes disso, a perspectiva ainda era intuitiva. Não era uma perspectiva geométrica. E aqui estes desenvolvimentos de Brunelleschi, Donatello e outros são aplicados pela primeira vez com tanta clareza.

E, claro, como disse Vasari, todas as figuras estão absolutamente claras, vemos, isto é, vemos nos corpos o peso que pressiona o chão. Vemos que estes não são corpos convencionais, mas proporcionalmente reais, e não vemos rostos, mas rostos, ou pelo menos o que se aproxima dos rostos.

E uma tentativa de fazer com que cada personagem tenha uma característica individual e uma reação psicológica individual. Este é o rosto confiante e calmo de Cristo. Já podemos falar aqui de rostos, e não de rostos.

Isso é um pouco cauteloso, com questionamento, um pouco, talvez até com medo, porque vai pegar um peixe, e por algum motivo vai ter uma moeda nele, ou seja, até o final, Pedro pode nem acreditar nas palavras de o Salvador, mas tudo isso pode ser lido de forma surpreendente em seu rosto. E você pode distinguir outros personagens da mesma maneira.

No meio dessa multidão ele se retratou, ou seja, ele é por dentro. Com seu autorretrato dentro desta composição, ele mostra que a olha de dentro, e é por isso que aparece o espaço expandido, e essa reação humana. Em geral, quando surge essa coisa humana, ainda não é aquilo de que falariam os filósofos do século XIX, humano, demasiado humano. Não, é um desejo de sentir o Evangelho aqui e agora, de experimentá-lo não como o passado, mas de experimentá-lo como algo que pode acontecer com você.

E é interessante que no fragmento em que Pedro dá ao coletor de impostos este stater, esta moeda, vemos uma auréola completamente diferente. Geralmente vemos halos diferentes aqui. Só que é mais visível aqui. Ou seja, não se trata de uma placa onde o santo está cravado, mas é uma espécie de brilho transferido para outro plano. Claro, isso ainda não resolve o problema do halo em geral, mas é uma tentativa de de alguma forma evitar o problema quando a figura gira no espaço e o halo colorido congela no lugar.

Da mesma forma, você pode considerar outras composições, por exemplo, “Pedro cura os enfermos com sua sombra”. Ele caminha pela rua. Esta rua é muito parecida com uma rua florentina comum, com casas como esta, com janelas salientes. E as pessoas que cercam Pedro são muito parecidas com verdadeiros mendigos, com verdadeiros moradores de Florença, ou seja, tudo se aproxima da terra, mas de uma terra que não se esquece do céu, mas da terra à qual, de fato, o Salvador veio.

É muito importante que a terra que os artistas renascentistas exploram, e que realmente baixam o olhar do céu para a terra, não seja apenas uma terra que já rompeu com o céu, mas seja a terra para onde veio o Salvador. Este pensamento era, sem dúvida, caro para eles, que o Salvador adquiriu a mesma carne humana, que Cristo se encarnou. Esta encarnação, o mistério da encarnação, foi incomparavelmente cara ao Ocidente, e aqui não há necessidade de contrastar sempre, quando gostamos de dizer, o feriado central do Ocidente é o Natal, e o feriado principal da Igreja Ortodoxa Oriental é a Páscoa. Talvez seja assim, mas não porque o Ocidente seja menos religioso, mas porque a ideia da encarnação lhes era cara: Deus tornou-se homem.

“A Ressurreição do Filho de Teófilo e São Pedro no Trono” também é uma composição muito interessante, onde também aparece um grande número de pessoas, e essas pessoas precisam estar de alguma forma distribuídas no espaço, para realmente mostrar a reação de todos, e aqui vemos não apenas alguns personagens convencionais, mas na verdade vemos que os contemporâneos de Masaccio estão testemunhando esse milagre. Aqui estão os florentinos. Estão todas com roupas daquela época, ou seja, as roupas convencionais já estão virando roupas concretas. Ainda mais interessante é que aqui é como se duas composições estivessem ligadas. E escrevem: “São Pedro está no trono”. Por que ele está aqui curando um menino e aqui está ele no trono?

Vamos olhar mais de perto. Na verdade, não é São Pedro no trono, mas é uma imagem de São Pedro em algum pano que está preso na parede e ele é adorado. Ou seja, este não é o próprio São Pedro, que está sentado no trono, mas esta é uma imagem de Pedro, que até aqui é adorada por monges, leigos e pessoas bastante nobres, a julgar por algumas das roupas, ou seja, isto é a adoração de uma imagem, de um santuário, ou seja, não é ao próprio Pedro, mas à sua imagem, se preferir, até certo ponto ao ícone de São Pedro. Este é um ponto muito interessante.

Essas coisas, que você não percebe imediatamente, mostram o quão inventivo o artista era e, em muitos aspectos, ele se torna o primeiro. Ele foi o primeiro a fazer nus reais, não convencionais; ele apresenta as pessoas de sua cidade, tornando-as participantes desses eventos sagrados. Mesmo essas são coisas interessantes que não chamam a atenção de imediato, até de certa forma é uma espécie de jogo, porque a princípio você não percebe, e de repente você vê que este não é o Peter real, mas sim um Peter desenhado , um apóstolo desenhado em tecido, e como imagem sagrada já o rezam aqui. Isto é, novamente, uma transferência da época de São Pedro, dos tempos apostólicos, para os tempos do século XV.

Para não ser infundado, mostrarei diversas composições que Masolino escreveu. Por exemplo, “Expulsão do Paraíso” e “A Queda” estão escritos nos pilares da entrada desta capela. E por um lado há o exílio, por outro lado há a Queda. Se olharmos para a composição de Masolino, veremos também estas, é claro, mais ou menos próximas da correção anatômica do corpo, mas são como se destiladas, como se fossem purificadas, são tão sublimes, embora a Queda seja descrita. Não há paixão aqui, eles são tão desapegados.

E, de fato, esse era o costume antes de Masaccio e em épocas anteriores, quando apareciam figuras nuas. E a primeira foto já foi depois da restauração, mas estou mostrando essa especificamente porque eles tinham tanto medo de coisas tão reais que mais tarde, ainda logo depois de feita esta capela, cobriram esses corpos com um galho. Mas para Masaccio isso era impossível. Aqui está uma comparação entre Masolino e Masaccio, como eles funcionavam de forma diferente, embora em algumas composições também se possa ver Masolino tomando emprestado de Masaccio. Masaccio pode ser visto dando um grande passo em comparação com outros.

Recentemente, sobretudo pelo facto da capela ter sido restaurada, foi cuidadosamente estudada, muitas composições ainda passaram a ser da autoria de Masolino. E hoje “A Cura de Tabitha” refere-se a Masolino. E aqui também vemos uma tentativa de retratar a rua, a perspectiva, até mesmo algumas plantas de fundo de casas e assim por diante. Masolino estendeu a mão para o amigo mais novo.

Ou o “Sermão de Pedro” na mesma Capela Brancacci, onde também vemos monges, contemporâneos dos artistas e paisagistas, verdadeiras montanhas, mas ainda assim o espaço de Masolino é muito mais tímido que o de Masaccio.

Curiosamente, a capela não foi concluída imediatamente. Foi feito em duas etapas, pois em agosto de 1428, sem concluir os trabalhos na Capela Brancacci, Masaccio, a convite de Masolino, partiu para Roma. Mas a questão não era apenas que ele foi atraído por outro emprego, mas que havia apenas uma luta entre Brancacci e os Medici. Os Medici uma vez estiveram no exílio, e ele voltou e garantiu que Brancacci fosse preso, seus bens fossem confiscados e assim por diante, ou seja, a vitória ficou com os Medici, e agora seu rival foi derrotado. E assim o trabalho parou por 50 anos. Já foi concluído 50 anos depois por Filippino Lippi.

Masolino da Panicale

Quero mostrar várias obras de Masolino, porque sobretudo no que diz respeito aos trabalhos de restauro, já no final do século XX nesta capela, os investigadores começaram a ter um grande interesse pela figura de Masolino, porque anteriormente Masaccio a tinha de alguma forma fechado com sua autoridade. Mas Masolino também é um artista interessante. Claro que ele pertence mais à fase anterior, ao Trecento. Ele tem muitas características góticas, mas à sua maneira também é um mestre interessante. Por exemplo, esta é a “Madona da Misericórdia” da Galeria Uffizi.

Ou a “Madonna” de Bremen. Esta Madonna de Bremen foi provavelmente pintada por ocasião de um casamento entre representantes das famílias Boni-Carnesecchi. A pintura, claro, está mais ligada à tendência gótica, mas esse artista, claro, tem habilidade, não pode ser tirada. Outra coisa é que fica claro que esse artista e outros artistas trabalharam nas proximidades. Eles deram continuidade às tendências do Trecento e não vão desaparecer. Além disso, eles são preservados até mesmo em algumas cidades.

É que Florença, graças a Masaccio, e depois graças à fortíssima actividade cultural dos próprios Médici, assume a liderança e move a arte numa direcção completamente nova, mas ainda assim, essa arte também é interessante. Portanto, Masolino agora atrai muito a atenção dos pesquisadores, emergindo da sombra de seu amigo mais jovem.

Aqui, por exemplo, estão seus belos afrescos em San Climento, em Roma. Talvez tenha sido precisamente para realizar estes afrescos que ele foi chamado a Roma. Afinal, Roma sempre foi a capital, a cidade papal, por isso era prestigioso para qualquer artista, mesmo um florentino, vir a Roma. E não sabemos se Masaccio fez alguma coisa nesta capela, mas Masolino deixou aqui belos afrescos.

Esta é a famosa igreja de San Climento, ainda cristã primitiva, e a história de Santa Catarina de Alexandria é muito interessante aqui.

Ou seja, também são afrescos muito interessantes à sua maneira, mas, repito, ainda dão continuidade às tendências anteriores.

Ou um dos batistérios da cidade de Olonna. Pintura muito elegante. Ele tinha um gosto elegante e era um bom artesão.

Mas repito que comparado ao Masaccio ele é, claro, mais tímido. Ele até tenta construir uma perspectiva, por exemplo, no afresco “A Festa de Herodes”, mas ainda não é aquela que se estabeleceria depois de Masaccio.

"Adoração dos Magos" de Masaccio

Mas voltemos ao Masaccio, porque ele é um mestre que sempre traz surpresas. Por exemplo, a sua famosa “Adoração dos Magos” também é frequentemente reproduzida. Masaccio é um dos primeiros a fazer uma técnica tão frequente, especialmente em Florença, quando entre os Magos vemos cidadãos florentinos comuns. E aqui também Maria está sentada em tal cadeira, muito característica da cultura italiana da Idade Média e do Renascimento, atrás dela está um estábulo condicional, e na frente dela está todo um grupo com cavalos, presentes adequados para adoração e trazendo presentes.

Curiosamente, em 1425, Masaccio recebeu uma ordem do mosteiro carmelita de Florença para pintar um afresco na parede do pátio do mosteiro representando a consagração solene da igreja, que ocorreu em 1422. Os cidadãos florentinos mais famosos estiveram presentes na consagração, e ele deveria pintá-los, e aparentemente os pintou. Infelizmente, este afresco não sobreviveu. No final do século XVI, durante a reconstrução do mosteiro, foi destruído, mas destas obras podemos imaginar como era, porque, aparentemente, lhe foi dada a ordem porque já tinha começado a introduzir cidadãos florentinos em seus súditos sagrados, e então lhe deram a encomenda de um afresco quase secular - o enredo da consagração da igreja, mas com muitas figuras reais que existiam naquela época. Sabe-se também, por alguns desenhos de artistas do século XVI, incluindo o jovem Michelangelo, que realmente existiram pessoas reais que viveram em Florença.

Em sua Vida de Masaccio, Vasari deu uma descrição bastante detalhada dessa obra não sobrevivente. Ele escreve assim: “Ele [isto é, Masaccio] retratou ali um número incontável de cidadãos que, em capas e cappuccios, seguem a procissão, incluindo Filippo di Ser Brunellesco em sandálias de madeira, Donatello, Masolino da Panicale, seu professor. Masaccio conseguiu colocar as pessoas em fileiras de cinco e seis seguidas na superfície deste quadrado tão bem que elas são reduzidas proporcional e corretamente de acordo com o ponto de vista, e isso é realmente um milagre. E principalmente você presta atenção ao fato de que eles são como a vida, pois ele conseguiu retratar cuidadosamente essas pessoas, não todas da mesma altura, mas com a devida observação para distinguir entre os baixos e gordos dos altos e magros. , e ficam com os pés inteiros na mesma superfície, e as fileiras são reduzidas com tanto sucesso que na natureza isso não acontece de outra forma.” Foi assim que Vasari descreveu este afresco não preservado.

Mas, a rigor, vemos isso na composição “Adoração dos Magos”. Mas o que é novamente interessante é este jogo que Masaccio às vezes se permite: vemos que uma das pessoas que se aproxima de Nossa Senhora entre esta multidão de fiéis é coroada, uma coroa é colocada sobre ele por trás. Não sabemos quem é essa pessoa, mas o fato de essa trama ser apresentada também é interessante. Ou este é um dos Magos, embora em primeiro plano vejamos dois Magos adoradores, eles usam coroas, ou este é um dos Florentinos que está sendo coroado, porque em Florença era costume coroar alguém, figuras proeminentes, com um grinalda. Nós não sabemos disso. Um segura uma coroa nas mãos, o outro coloca uma coroa na cabeça de um dos personagens, seja um feiticeiro ou um dos florentinos. Isto é muito interessante.

Aliás, “Adoração dos Magos” também tem um destino interessante. Originalmente fazia parte de um políptico da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa. Assistimos Del Carmine em Florença, e esse já era destinado à cidade de Pisa. Isso faz parte de um pedido grande e significativo que Masaccio recebeu. O dono da capela era o notário Ser Giuliano di Colino del Scarsi, e ele deixou um registro das quantias pagas por esta obra a Masaccio e outros artistas, porque o políptico era originalmente bastante grande. Este é apenas um fragmento da parte inferior horizontal do políptico do altar, a chamada predela. E esta imagem de altar aparentemente existiu até finais do século XVI, depois houve uma grande reconstrução da igreja. Na descrição da cidade de Pisa, publicada em 1787, o políptico de Masaccio é descrito como perdido, mas já em 1796 um dos painéis desta imagem foi encontrado e doado a Pisa. Aos poucos, foram descobertos mais dez painéis, que estavam em museus diferentes, e sete deles, incluindo este, estão hoje em Berlim. Muitas vezes, essas enormes composições de altar eram então desmontadas em partes separadas e vendidas, doadas e assim por diante.

"S. Trindade" em Santa Maria Novella

Gostaria de terminar com o trabalho mais surpreendente e misterioso de Masaccio. Esta é a composição "Trindade". Em primeiro lugar, esta é provavelmente a sua composição mais geometricamente correcta e mais geometricamente estruturada, onde construiu tão sabiamente esta perspectiva que aqui a arquitectura real coincide absolutamente com a arquitectura desenhada. E, diante dessa composição, você nem percebe que tudo aqui é uma ilusão, uma ilusão criada pela pintura. Agora essa coisa foi transferida para a tela. Isto já foi um afresco, uma imagem de altar pintada na parede. Agora ele é transferido para a tela e colocado em um museu, mas antes era incluído diretamente na arquitetura real, e a arquitetura real simplesmente se fundia com a arquitetura retratada com tinta.

A composição “Trindade” foi escrita em 1427. Esta é considerada a última grande obra de Masaccio. Foi escrito para a igreja florentina de Santa Maria Novella. Aqui, tudo o que Filippo Brunelleschi descobriu pode ser usado mais do que ele mesmo, porque ele, claro, fez tudo isso mais no desenho, depois na arquitetura, e aqui na pintura, ou seja, não vemos quando o bidimensional vai no espaço tridimensional.

Se olharmos mesmo para o diagrama, e isso é apenas uma parte, geralmente desenham um diagrama ainda mais complexo, a própria composição consiste em tal moldura arquitetônica, então há a ilusão de um nicho com teto em caixotões, onde Deus o O Pai é retratado segurando nas mãos uma cruz com a crucificação do Filho de Deus, e diante desta cruz estão a Mãe de Deus e João. Além disso, mais perto de nós, já como se fora deste nicho, embora tudo esteja escrito no mesmo plano, estão os clientes desta composição ou doadores diante desta Trindade, contemplando e rezando.

E abaixo há um pedestal e um nicho com um caixão onde jaz o falecido, ou seja, é praticamente um esqueleto, um cadáver em decomposição com uma determinada inscrição. Eu vou ler. Este é um símbolo do velho Adão, derrotado pela morte de Cristo na cruz. Há uma inscrição: “Eu era igual a você, mas você se tornará igual a mim”. No espírito de Salomão, tal inscrição, memento mori, lembra a morte.

Mas, ao mesmo tempo, quando o olho desce, ele volta constantemente para cima, para a imagem de Cristo, que é sustentada pelo Pai. Esta é uma composição muito complexa, na qual nem está indicada aqui, mas existem diferentes diagramas onde as esferas são mostradas, porque aqui existem duas esferas que incluem a imagem do Pai e do Filho e a parte inferior, que é humano, como se divino e humano estivessem unidos pela morte.

E ainda, contemplando esta morte de Cristo na cruz, as suas verdadeiras testemunhas, a Mãe de Deus e João, parecem corresponder a duas figuras de uma mulher e de um homem, os clientes. Isto é, novamente, a transferência do que aconteceu no Gólgota para o que está acontecendo aqui, ou seja, as verdadeiras testemunhas não são apenas aqueles que estavam lá, mas também aqueles que estão aqui, e aqueles que morrem, eles também acabam nas mãos do Pai. Ou seja, há aqui um sistema teológico muito complexo, que constantemente parece traduzir uma coisa em outra: assim como um plano é traduzido em um espaço tridimensional, o contexto moderno é traduzido em um contexto, por assim dizer, histórico, e depois para um meta-histórico, e assim por diante.

Na verdade, é por isso que os mestres da Renascença precisavam de perspectiva? Não só para mostrar o espaço real e o que o olho humano vê, mas também para relacionar o espectador com o que ele vê, para colocar a pessoa não apenas como espectador, mas como participante, porque, claro, muito foi feito, como já foi comprovado, com a ajuda da câmera obscura, quando uma pessoa olha por uma determinada janela e seu olho está imóvel. Mas, na verdade, a perspectiva faz a pessoa se mover dentro desse espaço. Essa é justamente a perspectiva reversa, que foca todas as linhas em uma pessoa, deixando-a imóvel, e em torno dela esse espaço gira, mas é aí que o tempo congela, vira eternidade, e essa rotação é quase igual a esse congelado, congelado eternidade. E aqui foi muito importante para ele mostrar o movimento do tempo, e o retorno dos círculos do tempo histórico para o tempo real, e assim por diante.

Penso que o significado desta perspectiva geométrica linear ainda não é compreendido teologicamente. Geralmente é referido simplesmente como o plano da Terra, mas isso não é verdade. De qualquer forma, Masaccio mostra que tudo é muito mais complicado.

Depois de Giotto, acredita-se que Masaccio seja a próxima figura. Ocupa um lugar importante na história especialmente da pintura a fresco, porque foi o afresco que os italianos enfatizaram, talvez até dotado, de uma importância muito maior do que a arte do cavalete. E veremos que nos afrescos os mestres da Renascença realmente descobriram, talvez até muito mais, do que na arte do cavalete.

É interessante que não apenas Vasari exalte Masaccio, mas vimos que o próprio Vasari constrói sua própria lógica para o desenvolvimento da arte e destaca algumas figuras, às vezes, talvez, até dando-lhes seu próprio significado não histórico, mas Masaccio foi notado por quase todos os artistas. Todos aprenderam com ele. Por exemplo, Leonardo da Vinci falou de Masaccio desta forma: “O florentino Tommaso, apelidado de Masaccio, mostrou com seu trabalho perfeito que quem não se inspirou na natureza, o professor dos professores, trabalhou em vão”. Essa atenção à natureza, como diz Leonardo, o professor dos professores, é realmente feita com muita maestria pelo Masaccio.

O epitáfio de Annibale Caro, dedicado a Masaccio, escrito em sua homenagem, é assim: “Como pintor, comparei-me com a natureza. // Ele realmente transmitiu movimento, vida e paixão a qualquer um de seus trabalhos. O grande Bonarroti // Ensinou todo mundo e aprendeu comigo.” Isto é muito importante, que quase todos os grandes mestres que trabalharam depois dele estudaram com Masaccio. Todos notaram que foi ele quem fez um grande avanço na arte da pintura.

Literatura

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Masaccio- grande artista italiano do século XV. Nome completo do artista: Tommaso di ser Giovanni di Guidi. Nasceu em 21 de dezembro de 1401 em San Giovanni Valdarno, Toscana. Conhecido como um dos melhores artistas da sua época, mestre da escola florentina de pintura.

Masaccio é um grande artista do início da Renascença. Ele trabalhou no início do apogeu da pintura e deu uma contribuição significativa para o desenvolvimento das leis e princípios básicos da pintura. Os professores de Masaccio foram Filippo Brunelleschi (1337-1446) e (1386-1466). Masaccio ficou famoso justamente por sua pintura religiosa. Os pesquisadores modernos acreditam que a primeira obra de Masaccio foi o Tríptico de São Juvenal, que hoje se encontra na igreja de San Pietro a Cascia di Reggello. Entre a massa de pinturas religiosas, afrescos e pinturas, também são conhecidos três desgastes de Masaccio. Nos três retratos, Masaccio retratou jovens de perfil.

O artista italiano Masaccio trabalhou frequentemente em conjunto com outro artista Masolino. Os pesquisadores acreditam que Masaccio influenciou o trabalho de Masolino, mas mesmo assim Masolino teve mais sucesso, pois escreveu obras mais compreensíveis para o grande público. Existe uma pintura conhecida que Masaccio e Masolino pintaram juntos - “Madonna e o Menino e São Pedro”. Ana."

As pinturas mais famosas do pintor italiano Masaccio do século XV foram obras como: afrescos para a Capela Brancacci, “Expulsão do Paraíso”, “Milagre com o Sátiro”, “Batismo dos Neófitos”, “São Pedro Cura os Enfermos com Sua Sombra”, “Distribuição de Bens e Morte Ananias”, “Madona e o Menino”, “S. Jerônimo e João Batista" e muitos outros. O grande artista da escola florentina morreu em Roma no outono de 1428.

Pinturas de Masaccio

Ressurreição do filho de Teófilo e S. Pedro no púlpito

Expulsão do Paraíso

História de São Juliana

Execução de João Batista

Batismo de neófitos

Madonna e Criança e St. Ana

Madonna e criança

Pedro cura um homem doente com sua sombra

Adoração dos Magos

Retrato de um jovem

Putto com um cachorro pequeno

Distribuição de bens e morte de Ananias

Masaccio- Pintor italiano que não estava destinado a viver nem trinta anos. Mas conseguiu tornar-se o mais famoso representante da escola florentina e dar o seu contributo para o desenvolvimento da pintura do Quattrocento.

O menino ficou órfão cedo, seu pai morreu quase na mesma idade de seu talentoso filho: ele tinha apenas 27 anos. A paixão do jovem pela arte provavelmente foi incutida nele por seu avô Simon, que era um rico artesão. Ressalte-se que o futuro artista recebeu seu apelido sonoro (seu nome verdadeiro era Tommaso) por causa de seu descuido e distração, pois “Masaccio” vem da palavra italiana “mazila”.

Ainda jovem, Masaccio mudou-se para Florença, onde começou o seu desenvolvimento criativo. Em 1424, o pintor foi admitido na Igreja de St. Lucas. Lá conheceu Masolino, um dos melhores mestres de Florença da época. A questão da influência que o mestre reconhecido no meio artístico teve sobre o seu jovem camarada ainda permanece sem solução. Alguns historiadores da arte acreditam que ele influenciou significativamente o trabalho e o estilo de Masaccio, mas esta opinião é altamente duvidosa.

O venerável pintor da arte era atraído pela fabulosidade, pompa e elegância, enquanto Masaccio gravitava mais em torno do terreno, do material, e se inclinava ao naturalismo. Suas obras se destacaram especialmente tendo como pano de fundo as obras do estilo gótico internacional, popular em Florença no século XV. Mas Masolino e Masaccio criaram várias pinturas conjuntas, uma delas é “Madonna and Child and St. Ana." Esta pintura é interessante pela sua composição inusitada e abordagem às proporções do corpo humano.

Masaccio já estava imerso na busca pela transferência do espaço, da matéria e do estabelecimento de fronteiras entre eles, e a decoratividade característica do estilo de Masolino aparece definitivamente na imagem. Ainda há disputas sobre quem foi o “responsável” por qual parte da obra, mas no geral a colaboração dos artistas foi coroada de sucesso. O filme é baseado no enredo de “St. Anna, nós três." Nele, o menino Cristo está sentado no colo de Maria, que está aos pés de Ana. Três figuras formam uma única pirâmide, cujo volume é dado pela presença de cinco planos paralelos.

A obra maior e mais famosa de Masaccio e Masolino são os seis afrescos da Capela Brancacci. São eles o “Milagre com o Statir”, “Expulsão do Paraíso”, “São Pedro Cura os Enfermos com Sua Sombra”, “Distribuição de Bens e Morte de Ananias” e “Ressurreição do Filho de Teófilo e São Pedro no Púlpito ”, que retrata como Pedro ressuscitou o filho de Teófilo há 14 anos.

Alguns historiadores da arte encontraram nesta obra uma formação política e viram entre os personagens o duque de Milão Visconti, o cardeal Castiglione, o chanceler da República Florentina e até o próprio Masaccio na companhia de Masolino e outros artistas.

Em todas as suas obras, Masaccio prestou grande atenção à precisão anatômica das figuras humanas que representava. Mas seus personagens são realistas não apenas na aparência. O artista deu um significado profundo a cada pintura, abordando os problemas das limitações de classe, sentimentos humanos, individualidade e singularidade de uma pessoa individual.